Casilda of Toledo – Japanese

the miracle of the Roses

Cuando Casilda desplegó el manto, cayeronmuchas rosas.


(カシルダがマントを広げると、そこから沢山の薔薇の花が落ちた)

スペイン中央部に位置する「トレド」はユダヤ教、イスラム教、キリスト教が交差する

都市だった。画家エル・グレコが愛した土地としても有名である。6世紀に西ゴートの首都となり、8世紀から11世紀、フェルナンド一世の時代、トレドはイスラム勢力の支配下にあった。モーロ人の王、アルマムーンのカシルダは礼儀正しく心優しく、父親が捕虜として捕まえたキリスト教徒に食料を運んでいた。カシルダはアラビア語で「歌う」という意味ですが、彼女は捕虜達へ悪い茎から綺麗な白い薔薇を咲かせるように優しくし、信仰の種を伸ばしていた。それを良く思っていなかった家来はカシルダを処刑しようと王に知らせた。

王は娘を愛していたが、そのような事があっては処刑するしか他なかった。家来と王がカシルダのマントの中を追求すると、神の計らいかカシルダが隠し持っていた食料が白い薔薇へと変わった。彼女はお咎め無しとなった。

 自己犠牲であるサクリファイスと息詰まった状況に一石を投じる機械仕掛けの神、デウス・エクス・マキナ。【deus ex machina】カシルダの終盤はデウスエクスマキナである。自分が優位になるための自己犠牲というものは、チェスの世界でも存在しているが、アリストテレスは機械仕掛けの神を否定している。私は無機質に思えるチェスの世界という論理の世界でも、奇跡が起きることが面白いと思っている。守りばかりでは一向に進まず、必ず駒というものは取られる。駒の価値は常に変動し、駒は攻めたり、お互いを監視したり、息詰まる。その中で駒が取られる度に、ただの失策かサクリファイスか分析が入る。常に不確定要素にかけ続け、結果からサクリファイスは確立する。

キリスト教の自己犠牲とは策のようで、見えない神に表す「偶然」である。それは愛を含むものなのか。神が何を望みかは聖書を深く読むしかない。そして何よりもイエスは譬え話が多いだけあって、イエスの話は日常に置き換えて私達は考えなければならない。当時のトレドと社会は変わっても普遍的に変わらない問題に直面したときに、イエスの言葉が日常に生きなければならない。問題、人間の「不幸」とは常に普遍である。

キリスト教の愛、カシルダの優しさは宗教的とも評価されるが、人間が本来持つ善でもある。勿論、その善を見せない人間もいた。彼女は捕虜を牢屋から出すことが出来ない。結果は伴わないが、食料は運ぶ。飢えを放置しない、その優しさというものは、捕虜という「不幸」に力を与えるものなのか。それだけではカシルダは反逆者として処刑される運命だった。しかし、日常を生きている中で奇跡が起きないことも知っている。

それでも、善意、神の愛に目を覚ましていたいと思うのは、奇跡という脱却は確かに常日頃にあるものだからだと思う。

常に目に見えているものだけ、手にしているものがすべてでないということを。

この記事は旧ブログの記事を書き直しました。

Literature and Mob Justice(SoarⅡ)

For the wages of sin is death, Rome6:23

Introduction

Some people say the Bible is a piece of literature, but I believe the words of the unknown man who said, “The Bible is not literature. When I was a young aspiring writer, I started by accepting that I didn’t exist, like an “unnamed worm”. Fiction is also a way to leave behind what you want to say, but you can’t leave it behind if you write it the way it is. This is why it was necessary to think calmly and reject ideas by revising. Embracing that cruelty, with the Bible at the top, my ego is humbled. Because everything is written in the legacy of the past, with the Bible above:There is no virgin in the imagination, and that was the beginning of my life as a writer. It was about “writing a cruelty story”, especially about “Mob Justice”. The quotation from Romans, “The wages of sin is death”, continued to move across the manuscript as it has been rewritten many times:Sometimes it was the introduction, sometimes characters who never came into the world spoke about this quotation. Actually, the words of the Bible continue. “but the gift of God is eternal life in[a] Christ Jesus our Lord.“and it will be explained that Jesus offers forgiveness to those who cannot break the flow of sin, and that the dead cannot sin.

And Then There Were None and Bergson’s philosophy

I also preferred Agatha Christie’s “And Then There Were None” during my recuperation from 2018 onwards. There are no detectives in this story. From the perspective of the third person, each corpse appears to speak, and the truth is summed up in the letter of Aposiopesis. There are ten people gathered here who have committed crimes that cannot be judged by the law. One of the murdered victims, Emily Brent, was a fanatic who had driven her pregnant servant to suicide. Ten individuals gathered here have committed crimes that cannot be tried by law. One of the victims, Emily Brent, was a fanatic who forced her pregnant maid into suicide.

Maybe she thought she would be killed afterwards, but she tried to stabilize her mind with Psalm 91, which promises God’s salvation;” You will not fear the terror of night, nor the arrow that flies by day, nor the pestilence that stalks in the darkness, nor the plague that destroys at midday. But his prayers failed and he was bitten dead by a bee.

The tragedy of this isolated island is orchestrated by a plot to kill Justice Wargrave. In the relentless passage of time, it is Bergsonian that the time of consciousness and the time of the world do not always coincide, but Emily’s decisions in the inner world of faith distort the outer world. He focused on the sins of the unpunished. Pure and inner awareness does not necessarily mean pure and enduring Christian love, light and goodness: Philosophical purity refers to universality and does not limit itself to ethics.

Killing by sanction is the unwritten law of that which emerges when philosophy and theology are trapped and concealed by ethics. Our sins are condemned by our faith and remitted by God. However, that is not always the case in the society in which we were born. The judge looked at this and came up with this plan. The best part of the story, the apparent killing puppet, was based on a poem from Mother Goose.This poem is also old and was originally written by the poet Mother Goose, and is translated as “Indian doll” or “soldier doll”. This poem is also originally symbolized black people, but was later changed to Indians.

Imitate murder is performed with dolls symbolizing the occupation and persecution. Matter is memory, the dualism of mind and matter is present this murder story. The time on the island is not owned by anyone, the protagonists themselves do not exist, and they are manipulated by a fictional being, U. N. Owen who have invited ten people. Formlessness controls the destiny of this island. Matter, space and memory, the relationship between them, passes unnoticed as a philosophy by most people. Nevertheless, like dolls, they are aware as soon as the material becomes suggestive, and they are in danger of being themselves. They find significance in the poems and dolls of Mother Goose, and live in the plans of the true criminals. Elusive sounds live fluidly as aural sensations, a gramophone playing a mysterious voice that exposes the wrongs of each person. We find ourselves even frightened of the interplay of matter and spirit, a philosophy that makes us dull and sleepy.

Judge Wargrave must have been pleased with the sight. Like table manners, as if it were a rule that passes for manners, he enjoys playing the killing dinnder.【killing game】 With the sound of a gunshot, the killer Wargrave, made it look like he was dead. Rising from it, his Ghost Play accelerates further. Wargrave’s self-absorption is evident in the way he likens himself to the biblical Cain and Abel.

Cain committed the first murder in the Bible and lied about it, but God would not let Cain take his revenge. Therefore, the Judge is a clown with an aesthetic illusion of justice. Because God’s wish is that there should be no Mob Justice. However, Mob Justice and aesthetics are two sides of the same coin. The Thaumatropes, whose cage and bird are painted apart, looks like a bird in a cage.If you turn the picture, you can see the bird in the cage, as if they co-exist and are involved with one another. Literature was attracted to that. Other arts, including painting and music, do not deal with ” Mob Justice” Painting is confined to religious or “Public punishment” when it comes to judgement.

Words have various roles, from God’s word to poetry, proverbs, fiction and journalism. Painting and music are not taken seriously by everyone, while language is mastered by everyone, and everyone takes it seriously, sometimes speaking of love, sometimes speaking of lies. Words means simply disappear and disappear over time. For example, the phrase “I love you” also fades away, because words require perception, memory and experience. Love cannot live by words alone. Love is accompanied by feelings and actions. In addition, the word “love” is often associated with many human beings. Even before an incomprehensible love, we can recognize the direction. When love works, it knows that it is love by its deeds.:On the other hand, private killings and retributions do not allow us to easily understand feelings of cause and effect.  The Indian poem of Mother Goose is a cruel poem, and the last Indian hangs himself. These ten people are enough to understand the meaning of the Indian poem. Their lives are threatened so that the pure continuity of consciousness and time ceases to be a theory, and they end up in the past ≒ memory without redemption.

Souls by Mob Justice

Like the ten invited guests, we do not see memory, time and space as separate objects.

According to Plato’s three ideas, (1) is the true, (2) beauty, (3) interest towards the good. Sternberg refers to this aesthetic interest in beauty. In the Bible we find such a composition in the Old Testament story of Hagar. Abraham’s wife Sarah could not have children, so she gave birth to a slave, Hagar. She gave the child the name Ishmael. Hagar’s situation is similar to that of Emily Brent, but in the end, Hagar is saved by God.

In the biblical world, “Thou shalt not kill” (Exodus 20.13) is based on faith, on the absolute God. In the biblical world, “Thou shalt not kill” (Exodus 20.13) is based on faith, on the absolute God. But does literature write about evil, breaking its promises with mischief? “Literature and Evil”, Georges Bataille made us believe that the best of literature is to search for evil in the veins of the world. Writers sometimes sort philosophically if it is necessary to write only imagination or experience.Then imagination is no longer enough, and they seek to make everyday life more than a dramatic statement. So this story is quiet. In And Then There Were None, the characters, with the exception of the murderer, can only see the surface of humanity. There is no investigator in the movie, and evil is not the key to unlocking good. If there is any confirmation of God’s existence, it is when the “fishing boat” accidentally picks up the confession that the judge put in a bottle and was never meant to be picked up. Christianity has a profound connection with fishermen. Peter was a fisherman, and Jesus told him that he would be a fisherman who would catch men. Within the framework of a mystery novel, however, this point of view would be like wash for gold. (Gold dust) But wouldn’t the real world be insipid without such a ‘point of view’ and ‘consciousness’? The paintings are useless when they burn, as the paintings of Carel Fabritius are displayed as survivors of an explosion. How does literature affect people? Literature is of the nature that what words and concepts represent and people’s feelings do not have a fixed Buddhist substance. Therefore “And Then There Were None” shows the cruelty of the writing world.

 Painting can be explained in words, but it must exist as a picture. Literature can be placed beside the Bible, but it fails to achieve a visible space and form. In the past, when I painted, they congratulated me on my ability to draw and my sense of color. I was looking for myself in painting, with ideas and concepts. This is probably when my philosophical reflections became more impulsive. What cannot be put into words seeks no form, and then tries to rely on something to paint. It was a passion that emerged in my youth, but I wanted something more mature. I couldn’t stand the self-image that bounced back from my consciousness and my technique. It was a passion I had when I was young, but I wanted something more mature.

I couldn’t stand the picture of myself bouncing off my consciousness and technique.: Like Van Gogh with his sunflowers and his obsession with color, I could not do it, I only saw thoughts of love and existence.

In the 21st century, philosophy and psychology are moving away from the soul. That is because it requires an ethical, moral, or religious viewpoint to describe them. But literature is still allowed to write the soul. Nietzsche described vengeful feelings as Ressentiment. By morality, the weak demonize the strong. This inversion of values is weakened in Agatha Christie’s “And Then There Were None”. Murderers took pleasure in the guise of revenge by proxy. They were not killed with such vengeance or moral slavery.  It all comes down to poems and puppets by ten Indians, killed and gone. The artist’s need for approval is said to be greater in the story, which explains this killer. His hidden desires and the realization of his pleasures took place on an isolated island.  If he had wanted social honor, he would not have committed such a crime. He threw away his confession in a bottle, not knowing whether it would be picked up or not, which is another way of checking the soul. It is a “Mob Justice”. There is an impulse that can only be asserted in this way. In literature, “Mob Justice” is not an actual sanction. He throws his confession into a bottle, not knowing if we’ll pick it up or not. The only way to be sure of one’s soul is to leave it to chance at last. This is the end of the “Mob Justice”

 I did not select to paint flowers, my quest was collected as a bird’s nest and tried to form and It was a beautiful feeling, both as phenomenology and as poetical feeling. The plants and trees collected by the habits and coincidences of the birds are also the Word of God, but some herbs do not bear the image of God. It is the root rot, the weak grass, the dying grass,

 I would write such an “evil” in the next piece.

Literature and Mob Justice Overview

It took me six years to work on this theme. Writing about cruelty, like journalism, is not about separating oneself from others. Sometimes you have to reveal your own malice.

I dealt with Agatha Christie’s “And Then There Were None” and Bergson’s philosophy. An unfamiliar subject, matter and spirit, is criticized as abstract when read as philosophy, but in the face of a murderous game everyone understands its meaning.

Understood the meaning. Indian dolls represent their lives and die according to an unintelligible Mother Goose poem.

Philosophical consciousness is not a need to be confined to morality or ethics. It means that there is no necessity for religious goodness, and I have summarized these ideas in this introduction. I have tried to make my unpublished novel the main topic of this

Article. Mob Justice is the desire for recognition of the oppressed and erased soul. I do not consider myself a victim of being driven in this way. I will be back.

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文学と私刑 飛翔点(2)

罪からくる報酬は死です ローマ人への手紙6:23



はじめに

 聖書を文学の一つだと答える人もいるが、「聖書は文学ではない。聖書は聖書だ」と言い放った無名の言葉が一番的確だと思っている。作家を目指した若い頃の私は、まず自分の存在は「名も無き虫」と受け入れることから始めた。確かに私は存在している、けれども他人からは知らない虫だった。小説とは自分の伝えたいことを残せるものでもあるが、それをそのまま書いても残らない。そのために推敲で切り捨てる冷静な目が必要だった。大切な人の死を書いても容赦なく「面白くなかった」と批判が来る。それを受け入れること、聖書を頂点として私の自我はへりくだる。何故なら全部、聖書を頂点として過去の遺産に書かれてある。想像の処女性は無い、それが私の執筆生活の幕開けだった。それでも私には長年くすぶってしまった課題が残っていた。「残酷な話を書く」こと、特に「私刑」についてだった。ローマ人への手紙の「罪からくる報酬は死です」という引用は何度も原稿の中で移動し続けた。或る時は序章、或る時は世に出ることがなかった登場人物達がこの引用を語った。実際にこの聖書の言葉はこの続きがある。「しかし、神の下さる賜物は、私たちの主イエス・キリストにある永遠のいのち」と、罪の流れを断ち切ることが出来ない人間にイエスが赦しを与え、死人は罪を犯せないと説明を受ける。

「そして誰もいなくなった」とベルクソン哲学

 私は2018年以降の療養中にアガサ・クリスティの「そして誰もいなくなった」も好んだ。この話には探偵は登場しない。三人称視点だが、各々の死体が語りだすような感覚に陥り、真実は黙絶法によって手紙に集約される。ここに集められたのは法で裁かれない罪を犯した10人だった。殺された被害者の一人のエミリー・ブレントは狂信者だったが、妊娠した使用人を自殺に追いやった過去があった。彼女は自分が次は殺されると思ったのか、「夜、脅かすものをも、昼、飛んで来る矢をも、恐れることはない」と神の救いを約束する詩編91篇で心の安定を図ったが、祈りも虚しく蜂に刺されて死ぬことになる。この孤島の惨劇は、裁判官のウォーグレイヴの殺害計画によって企てられていた。容赦なく過ぎ去る時間の中で、意識の時間と世界の時間は必ずしも一致しないとはベルクソン的なものだが、エミリーも信仰という内面世界での判断が外界へ歪を生んでいた。犯人も同じである。公刑で裁かれなかった罪、という内包された罪に犯人は目をつけた。純粋に内的な意識が向けられること、純粋持続とはキリスト教的な愛、光や善とは限らない。哲学的な純粋とは、普遍性をさし、倫理に囚われない。制裁による殺意とは、哲学と神学が倫理によって囚われて隠れてしまうものが不文律として浮かび上がる。

 人間の罪とは宗教上は戒められ神から赦しを得られる。しかし、私達が生まれてから目にする社会とはそうとは限らない。罪人というものを戒めることをしないこともある。裁判官はそれに目を向け、この計画を思いついた。この話の醍醐味である見立て殺人の人形はマザーグースの詩に準えていた。インディアン人形、もしくは兵隊人形と翻訳される。この詩も古いもので元は黒人を象徴していたが、次にインディアンと変えられた。占領と迫害を象徴した人形で見立て殺人が行われる。物質は記憶、精神と物質の二元論がこの中にはあった。孤島での時間は誰も所有出来ず、主人公そのものが存在していない。10人を招待したオーエン夫妻(UnKowen)という架空の存在に操られることになる。この島の運命を司るのは姿無き存在だった。物質と空間、そして記憶、これらの関係性は大抵の人が哲学として意識しないでやり過ごす。それでも人形のように、物質が暗示的になり、自分の身が危ういとなるとすぐに認識する。彼等はマザーグースの詩や人形に意味を見出して、真犯人の計画の中で生きることになった。一人一人の過ちを暴露する謎の声を流す蓄音機、つかみどころのない音は聴覚として流体的に生きる。気が付いたら、退屈で眠くなる哲学、物質と精神の交わりに怯えるようにさえなる。

 その光景は仕掛けた判事にとっても芳しいものだったのだろう。食事のテーブルマナーのように、彼は美しく順序よく殺人を行った。銃声の音と共に、犯人であるウォーグレイヴは死んだフリをした。それから起き上がって、更に彼の亡霊劇は加速する。ウォーグレイヴが自己陶酔に陥っていたのは、自分を聖書のカインとアベルのカインに見立てたところに現れている。カインは聖書の始めの殺人を犯し、嘘もついたが神はカインに復讐をさせないようにした。よって、判事は正義という審美眼を錯覚したことになる。何故なら、神の望みというものに私刑は望まれない。ただし、私刑と審美眼は表裏一体である。鳥かごと鳥が別々に描かれたソーマロープは鳥かごの中にいる鳥に見えてくる。ソーマロープを回せば共存してお互い関わっているかのように鳥かごの中に鳥がいる。それに目をつけたのは文学だろう。絵画や音楽等、その他の芸術は「私刑」を扱わない。絵画は裁きに関しては宗教画、もしくは「公刑」に止まっている。

絵画:スチェパン・ラージンの死刑 Sergey Kirillovセルゲイ・キリロフ

言葉は神の言から、詩、箴言、虚構、ジャーナリズムと様々な役割を持つ。絵画や音楽は皆が本気で取り組むことは無いが、言葉は皆が習得し、時には愛を語り、時には嘘を語るように、誰しもが本気になる。しかし、言葉は単純に時間と共に生成消滅をしていく。「愛している」と言う言葉も色褪せていくのは、言葉は知覚や記憶、体感を要するからである。愛というものは言葉のみでは生きられない。愛には付随して感情と行動が伴われる。それでも愛と言う言葉は、しばし多くの人間が連想されやすい。理解しがたい愛の前でも、方向性は認識できる。愛は行動をし、行動によって愛だと知る。対して殺人や私刑というものは因果関係の感情を容易に理解出来ない。マザーグースのインディアンの詩は残酷な詩であり、最後の一人のインディアンは首を吊って死んでしまう。この10人はこの詩の意味を充分に理解する。命が脅かされることによって意識や時間の純粋持続が机上の空論でなくなった。そのうえ彼等は贖罪をすることもなく過去≒記憶によって終わるのである。

ソーマロープ

私刑による魂・善悪に囚われない意識

 10人の招待客のように強制的に強いられなければ、記憶、時間、空間を切り離しては対象として見ることはない。プラトンの三つのイデアによれば、⑴は真、⑵は美、⑶は善に向かう興味であるという。スターンバーグはこの美の審美的興味とした。聖書にはそのような構図が旧約聖書のハガルの話で見られる。アブラハムの妻サラには子供が出来なかったので奴隷のハガルに産ませた。その子供の名前は「イシュマエル」とした。殺されたエミリー・ブレントと境遇は似ているが、ハガルの最後は神から救われる。

聖書世界の「人を殺してはならない」(出エジプト20・13)とうものは神という絶対者の元で、信仰に基づいている。人間は神との約束を破ってしまうので常に債務を負っているということだが、文学は悪戯に約束を破り続けながら「悪」を書いているのだろうか、数多く存在する作家の目的を絞ることは出来ないが、ジョルジュ・バタイユは「文学と悪」によって、文学の最高は世の水脈から悪を探り当てることだと思わせた。想像だけで書くのか、体験があって書くのか、作家は哲学的に整理することもある。そして想像だけでは事足りなくなり、ドラマティックな発言よりも日常化を求めるようになる。だからこの話は静かだ。この「そして誰もいなくなった」の登場人物達は犯人を除いて表面上の出来事しか知ることが出来ない。探偵が存在しないこの作品は悪が善を紐解く鍵にならない。神の存在が確認出来るとすれば、判事が瓶に入れて拾われるはずのない告白文を「漁船」が偶然に拾ったことだ。キリスト教と漁師の関わりは深い。ペトロは漁師であり、イエスに「人間を獲る漁師となる」と言われた。しかし、ミステリー小説という大枠の中でこの観点は砂金のようなものだろう。しかし、現実世界とはそのように「観点」と「意識」が無ければ無味乾燥なものではないのだろうか。カレル・ファブリティウスの絵画が爆発事故での生き残りであると、絵画は燃えてしまえば意味がない。文章はどのように人に影響を与えるのか。文学は言葉や概念が表すものや、人の感情が仏教的に固定的実体を持たない性質を持つ。だからこそ「誰もいなくなった」というのは、文章世界の残酷な一面を表している。

 絵画は言葉で解説をしても、絵画として残っていることを条件とする。文学は聖書と並べられるが、目で見える空間と形には辿り着かない。嘗て絵を描いていた頃にデッサン力や色彩感覚を褒められた。常に思索や概念を抱いては、描くことで自分を探していた。哲学的考察がより一層衝動的になったのはこの時期だろう。若いが故に言葉になれないものは型を求めず、そして何かに頼ろうとして絵を描こうとする。若い間に現れるのは情熱ではあったが、私は円熟したものが欲しかった。意識と自分の技術から跳ね返る自己像に耐えられなかった。抽象絵画のように形からの脱却をしながらも色を用いる限り空間と比率が生まれる。あくる日に私は描きたい空間がなにもないことに気づいた。ゴッホが向日葵を描いたように、そして色を拘ったように出来なかった。私は愛や存在に関する思惑ばかり目に行った。21世紀になった今は哲学も心理学も、宗教は勿論、心や魂から離れながら進んでいる。それらを言い表すのなら宗教的観点が必要となってくるからだ。しかし、文学はまだ魂を書き表せる。ニーチェは復讐感情をルサンチマンとした。道徳的により、弱者が強者を悪とする。この価値の転倒は、アガサ・クリスティの「そして誰もいなくなった」では弱くなっている。

犯人は、代理復讐を装い、快楽に走った。そのような復讐心や道徳的奴隷で殺したのではない。全て10人のインディアンの詩と人形に集約され、人が殺されて消えていく。作中に芸術家は承認欲求が大きくなるとあるが、それはこの犯人のことだろう。隠された欲求と快楽の実現は孤島で行われた。彼が社会的な名誉を欲したのなら、このような事件は起こさなかった。自分の告白文を拾われるかどうか分からないのに瓶に入れて投げ捨てた、魂の確かめ方はこのような事もある。それが「私刑」の末路である。

花を描くことを選ばなかった私の探求は鳥の巣のように集められ、形成を試みていた。それは現象学として、そして詩情として、美しい心情があった。鳥の習性と偶然性で集められた草木は神の御言葉でもあり、棘があるものもある。それは根腐れ、弱い草、枯れた草、

次回作はそのような「悪」を書きたい。

概要

私刑と文学

このテーマに6年かかった。残酷な話を書くということはジャーナリズムのように、自分と他者を切り離せない。小説とは時には自分の悪意も生かしては吐露する必要があるからだ。

アガサクリスティ「そして誰もいなくなった」とベルクソン哲学を扱った。馴染みのない、物質と精神は、哲学として読むと抽象的だと批判されるが、殺人ゲームの前では皆、その意味を理解した。インディアン人形が自分達の命を表し、意味不明なマザーグースの詩の通りに死んでいく。

哲学上の意識とは道徳や倫理に囚われる必要性がない。宗教的な善の必然性がないということ、それらの考えを今回は序章としてまとめた。未発表の小説が本題になるようにしている。「私刑」それは虐げられた、消される魂の承認欲求である。このように追い込まれたことを、被害者だと思っていない。私は必ず復帰する。

関連過去ブログ

この記事は飛翔点(Ⅰ)に続きます。

The Goldfinch(English)

The Goldfinch Carel Pieterszoon Fabritius

Should be a reflection of something purer.
André Paul Guillaume Gide

On 12 October 1654 an explosion in an explosive’s depot caused a large extent of casualties.

Many Dutch paintings were destroyed in the explosion, and this also damaged the workshop. One of the victims was Rembrandt’s pupil, Carel Fabritius, who was also killed in the accident. This captive bird is still alive today, even though it has lost its owner.

No doubt many people will agree that the “fate” of this painting is the reason for much of its re-evaluation.

Carel Fabritius was an Rembrandt student. His paintings have been influenced by Rembrandt. We can find Rembrandt’s influence in the way he painted light. Rembrandt’s early works show a wide range of colors, but he gradually developed a basis of brown and grey tones, with brighter colors used for the most illuminated objects. He also uses chiaroscuro, a compositional technique that clearly defines light and darkness.

Its influence is also felt by his pupil Fabritius. Overall, the work is completed in opacity, but the color contrast gives the wall a strong light. The walls are darkly shaded by the feeder and the birds as chiaroscuro,  Tarnished natural yellows create a psychological effect of light and shade. What distinguishes this painting from that of Rembrandt, in addition to choosing the bird as a motif, This is using hard paint..Like Van Gogh and the impressionists.

The bird’s background is a flat wall, but we can imagine that what the bird is watching is daylight.

By avoiding all human symbols and imagery, the bird sees the purest things. The light is reflected in her eyes and the imagination is always there. This painting, dressed in “Amor Fati” is a bird who never knew the escape.

This bird lives for a long time and is not capable of flying high.

It was the movie “The goldfinch”(2019) that made this painting instantly famous of our time.

In order to explain the film, a boy and his mother visit a museum and find themselves caught in an explosion. While they escape, the boy steals the goldfinch which has survived. Inspired by the destiny of the original painting of real life, I watched this movie in 2021 with no previous information. The film was inspired by the destiny of the original painting of actual life,and I got a sense of déjà vu from the paintings used in the film.

Had a life of his own for a film accessory. Nothing symbolic at the time, but the color palette was classic. The bird understands the light and is free from superfluous insights. It’s too far from being allowed to exist as a painting, and I’ve seen it before. During the movie, I thought so much about this painting that I didn’t remember exactly what it was about. I didn’t remember exactly what they were talking about, However, the characters began to say that it was a Dutch painting. I looked through the catalogue on the shelf in the other room, thinking maybe I saw this painting once.

In 2012, I was still watching the painting.

I placed a sticky note in the catalogue of Mauritshuis’s exhibition.

The page was “The Goldfinch”. Many Dutch paintings were produced during the boom in microscopic observation, So these are essentially specific tables. Rembrandt’s “Canticum Simeonis” was extremely bright. And Vermeer’s “Het meisje met de parel” tour. I passed by smiling faces art, smiling faces art, and found ‘Goldfinch’ in still life.

It seemed like an incomplete picture. After the human smile, the innocence of the animal, the feathers reflecting the pure light, looked even brighter. In the midst of all these still life’s, observed as the curious mind desires, there is a single and foreign imperfection.

This bird looked at the sky, far beyond the scope of the microscope. This picture was not intended to be framed. Whether it was a piece of trompe l’oeil or a case cover, the purpose of this painting is unknown. In my opinion, the exhibition was not very good, except for the “The Gold finch” and the “Canticum Simeonis” by Rembrandt.

The sound of the birds’ footsteps and the sound of its chain appear to come from a silent painting. Never has this bird been overshadowed by the trials and temptations of fate.

Imperfection, captivity and flight – these three points can strike an agreement with the infirm.

First of all, the downside of not knowing somebody didn’t make it easy for me to talk about that bird. I didn’t have the background or the information to keep it to myself.

The bird hides in the blind spot of memory, but fate so loves him that he comes back alive.

The moment I opened the catalogue, the map of the museum and the advertisements of the museum at that time fell out of the book…Kind of reminded me of a bird wing flapping.

 The way missing memories can be brought back to life is a reminder of the movement of time. Especially when it’s a sign of hope, That’s like a revelation of God.

Loved by fate, this trompe l’oeil, what is it that deceives? Even in the museum, this bird saw the light. A number of times, and through space, this bird sees the light,

I was ready to be deceived again, which made me feel like receiving the light.

Info

Translation, proofreading of past articles has not been completed. I’m finishing up this month.

I am so sorry for the late submission.

The Goldfinch

The Goldfinch:Carel Pieterszoon Fabritius
もっと純粋なものを反射しなければならない
ジッド「日記」第一巻

1654年10月12日に爆薬庫の爆発事故は大規模な範囲の犠牲を生んだ。多くの死者を出し、アトリエも巻き込まれ多くのオランダ絵画が焼失した。その中の一人の、レンブラントの弟子のカレル・ファブリティウスも事故に巻き込まれて帰らぬ人となった。この捕らわれの鳥は飼い主を失っても今も生きている。

この絵画の再評価の多くの理由は「運命」に惹かれた、という人は少なくないだろう。

 カレル・ファブリティウスはレンブラントの弟子であり、光の描き方がレンブラントの

影響があるだろう。レンブラントは初期の作品は多彩な色使いが見られるが、次第に茶とグレーの階調を基礎とし、一番光が当たるものに明るい色を置く。レンブラントはキアロスクーロという明暗を明確にする構図に惹かれていく。

この影響は弟子のファブリティウスにも見られる。全体的に鈍色で仕上げられているが、対比によって壁に強い光が当たっているように考察出来る。餌箱と鳥の背後の影が濃い。天然色の影響なのか分からないが、くすんでいる黄色が心的な光と影を作り出している。レンブラントとの違いは、宗教的な題材ではなく、鳥を選んだこと、固めの塗料を使用していることである。それは、ゴッホや印象派を連想させる。

鳥の背景は無地の壁であるが、この光の当たり方で鳥が見上げているものは日の光だと想像出来る。イタリア語でCardellinという名前のこの鳥は、カズラの実を好んで食し、イエスの受難を意味している。人間につけられた象徴、想像をよそに、もっとも純粋なものをこの鳥は見つめている。目に光が映りこんで、一瞬という瞬間に想像力が宿る。

Amor fati(運命愛)に纏われたこの絵画は、飛翔することを知らない鳥だった。

それなのに、長い時を経て生きている。

 この絵を現代で一気に有名にしたのは映画「The Goldfinch」(2019)だった。美術館に母親と二人で訪れた少年は爆発事故に巻き込まれる。少年は、逃げる際に生き残ったGoldfinchを盗みだしてしまう。元々の実在の絵画の運命をモチーフとして作られた映画だが、2021年、私はこの映画を前情報無しで見ていた。そこで使われている絵画に既視感を覚えた。映画用の小道具、という短命の運命にしては生命力があった。たかが鳥の絵ではあるが、背景の色が現代の発想で描いたわりには古典的な描写だった。光を理解していて、余計な思想が無い。絵画一枚として存在するにしては構図が右に寄っている、それにやはり見たことがあった。映画の話が頭に入って来ないほど、この絵のことばかり考えていて、登場人物達がオランダ絵画と言いだしたので、もしかしたら一度見たことがあるかもしれないと、別室の本棚から図録を探した。

2012年、私はこの絵をやはり見ていた。

マウリッツハイツ美術展(2012)の図録に付箋を貼っていた。そのページが「The Goldfinch」だった。オランダ絵画は顕微鏡等で観察がブームだった時代のものもあり、基本は精密な絵画が多い。レンブラントの「シメオンの賛歌」は圧倒的な異才を放っていた。フェルメールの「真珠の耳飾りの少女」目当てに美術館のコースが決まっている。人間の笑った顔、笑った顔の作品を素通りしながら、静物画のエリアで「The Goldfinch」を見つけた。

それは未完成のような絵画だった。人間の笑みの後に見ると動物の持つ邪の無さ、純粋な光を反射している羽は余計に輝いて見えた。探求心の欲しいがままに観察された静物画の並ぶところに、一枚の不完全が存在している。顕微鏡で覗けない距離に、その鳥は空を見上げていた。この絵は額に入る予定ではなかった。トロンプ・ルイユ(だまし絵)の一枚か、もしくはケースの蓋だったのか、正体は不明である。正直、この絵画展の評価は低かったが、この鳥の絵とレンブラントの「シメオンの賛歌」だけ良かったと感想を残している。

音を持たない絵画に、鳥の足音、鎖の当たる音の想像が混ざる。この鳥は運命のいかなる試練や誘惑にも消されることがなかった。不完全、捕らわれの身、飛べる存在、この3点は不自由な人間の心を打つのかもしれない。名作と思いながら、この絵画を語る機会がなかった。

まず、誰も知らないというのは不自由さ、語りだすことが難しい。

自分で秘めるにしても、経験と情報が少なかった。

この鳥は私の記憶の死角に潜んでいたが、運命に愛されているので生還する。

 図録を開いた瞬間に、挟まっていった館内マップと、当時の美術館の広告が本から落ちていく。それが鳥の羽ばたきの音を連想させた。消えていた記憶が蘇るとは、時間の動きを感じさせる。特に、それが希望に繋がる場合は、神の啓示にすら思えた。光を享受する力がある生き物の、その瞳の向こうには美しい世界が広がっている。

鎖で繋がれた鳥は、自由の代わりに特定の誰かの愛を受ける。この鳥を愛している人間の眼差しを想像すると、外も悪いものではないのかもしれない。この鳥に餌を与えていたのは誰だったのか、この鳥は多くの時間と空間を超えて、いつも光を見ている。

運命に愛されたこのトロンプ・ルイユ(騙し絵)、何を欺いているのか、生命力の強さに圧倒される。もう一度騙されてもいいので、光を受けてみたいと思わせた。

The Goldfinch(2019)
原作あり

L’éternel substitut(jp and english ver)

Le temps est une image de l’éternité, mais c’est aussi un ersatz de l’éternité.

時間は永遠を映すものである。けれども、また永遠の代用品でもある。

Time is a reflection of eternity. But it is also a substitute for eternity.

Simone Weil (Renoncement au temps)

l’éternité

解説: 永遠というのは時間を伴うが、時間が有限であるのに対して永遠は無限を表す。しかし、私達は永遠を知覚することは出来ない。時の区切りは、永遠の一部、だから永遠の代用品。la éternitéの略。

Explanation: Eternity involves time, while time is finite, eternity represents immutability. However, we cannot perceive eternity. Time is part of eternity and therefore a substitute for eternity.

Sun and Steel (English.ver)

Outline of this post.


In 2018, during my recuperation period after a suicide attempt, I read Yukio Mishima" The Sun and Steel." In it, he wrote about feelings that were neither fiction nor criticism.
He wrote about "confession" at night, "criticism" by day, and a time when he was neither.

I will taste this neither time until 2021.

The book, which was also the subject of a controversial debate at the University of Tokyo (1969), seems not to have been appreciated in Japan at the time. I have been on the road from leaving Catholicism to conversion.
I was struggling to talk about this mortal disease in my story. Would it be non-fiction, or should I force it to be fiction? Whether I choose the sun or the night.

There was also the question of Catholicism and the political uncertainty of the future in Japan. For many years, I had forgotten the poetry of Mishima response to the sun.
In 2021, I have decided to move on to the night (literature).
This involves a lot of interpretation on my part. In Sartre's terms, it is "the other with the subject".

Apologies that this is not a thorough explanation of the sun and Steel.



The” Sun and Steel” was one of Yukio Mishima lesser-known works at the time. After a long time.I read this in 2018 and found much to sympathies with. I read this in 2018 and found much to sympathies with. In the process of writing, some things are difficult to express even as a novel. I too fell into that groove around 2017. Probably every artist. I feel like it comes to every artist. Sometimes we can’t establish ourselves because we are confused by current trends or common perceptions.  Mishima described it as an intermediate form between confession and criticism, “a kind of hidden criticism”.

Mishima is perhaps the only person who has focused on the area of twilight that exists between night as confession and day as criticism.

Sartre’s raison d’etre about existence and essence is that existence precedes essence, but this kind of wayward speculation, a combination of fiction and criticism, is a wandering interior that does not know the outer skin of existence, and is itself an embryo that does not know the outer world (essence).

It is the equivalent of inference, prediction and prophecy. When the result is not yet known, even if we think we have grasped the essence, we cannot be sure. A novel does not have enough material to be written, and a criticism is only an assumption made a few years in the future. But there are times when the feeling is strong.

At such times, I think back to Van Gogh’s Madness paintings.

His paintings were first of all existentially unsuccessful. Later, his brother Theo’s wife succeeded in selling Van Gogh’s paintings and made him into the genius that he is today. Over time, they created the essence of Van Gogh’s paintings. Over time, they created the essence of Van Gogh’s paintings, or the world discovered them.

The Starry Night
This is one of my favorite Van Gogh paintings. I don’t know of any other painting that depicts the stirring darkness so clearly.

I think Mishima is right when he declares in this book that he is not a poet. Poets, like Van Gogh’s paintings, are not afraid of consequences, and they do not fall between confession and criticism. Hermann Hesse is a genius as a poet and Rubaiyat dances without fear of criticism from Christians.

It seems to me that Iran is famous for its poets. Perhaps they are not afraid of death (or the oppression of others). That free enthusiasm, which neither the cooperation of the Japanese nor the argumentative nature of the West can match, is something to be admired and, as a result of more social experience, I think we will never have it again. We all dream of it and run with it, but the tragedy and happiness that we have created with our speculations, from pacifisms, through physical pain, gradually becomes a reality.

When I was young, I would have run without fear. In the midst of it all, joy and despair, like differential and integral calculus, were repeated, and expectation and despair may have exceeded real reality. In the midst of this repetition of the mundane routine, where sleep brings morning and daily life again, I had my moments of real despair.

In turn, disappointment and disillusionment increased, becoming part of the larger reality of the real world.

Gradually, disappointment and disillusionment increase, and the artist becomes part of the larger existential context of the real world.

That’s the end of the artist. It is only natural that he should lose his individuality.

I’m trying to be unique because of my long established taste, but my body is screaming. The days when I used to write poetry in the evening, even if it was bad, seem like a lie.

It was a mistake in the first place to see it as a defeat. The thought of being abandoned by night and day

It will always go somewhere. It is like a long, inflexible Steel. That is how I see it.

In my analysis, Mishima Steel element probably became the sun and led to his suicide.

I have decided, after a long time, to return to the Night once more. That’s when I retired as a journalist. It is proof that I am no longer outspoken about current affairs. The man who lives by night lives for the invisible presence of human sensibility. The man who lives by day lives for the market and the human condition.

There is no right or wrong, because both are necessary.

But when speech and knowledge are wasted, it is tempting to talk about real problems.

Isn’t it the starting point of a literary person to keep that ” babble ” silent until night?

I will not write directly about why I attempted suicide, or the process of my conversion. Instead, I will start to confess, as if in the night, my memories and records were a wild reflection.

In this fictional world, the person who speaks for me is a man and other women, and the story goes on. There is, in effect, a fictional character (a lie). But the essence is not a lie. Within the non-existent outer skin, there is an interior that I have experienced and gone through.

I have read a lot of Mishima during my illness. But I chose a different path from him.

In his writings he wrote

“Now I no longer believe with all my heart in the idea of classicism, about which I was so passionate at the age of twenty-six. I no longer believe in it with all my heart”

I might not have the awe-inspiring ardor of my youth, either. I sympathies with him in this confession under the sun.

But, like the protagonist of the piano tuner I am writing about, I intend to expand the literature to say that sound does not die. In the despair of the protagonist, my inner light is incorporated.

It is with God.

太陽と鉄 三島由紀夫について

概要


2018年、自殺未遂後の療養期間に三島由紀夫の「太陽と鉄」を読んだ。そこには彼の小説にも批評にもならない感情が書かれてあった。
夜は「告白」、昼は「批評」そして、どちらでもない時間について彼は書いた。

私は、このどちらでもない時間を2021年まで味わうことになる。

問題の東大生討議(1969)にも取り上げられた著書は、日本では当時は評価を得なかったようだ。私はカトリック離れから、回心までの道のりを
語る上でこの死に至る病を語ることに悩んでいた。ノンフィクションになるのか、無理にでもフィクションにすべきなのか。太陽を選ぶのか夜を選ぶのか。

その中にはカトリックの問題や、日本の今後の政治不安も付随していた。長年、詩情を忘れていたが三島が太陽に向かったことに対して、
2021年、カトリック回心と共に、私は夜(文学)に進むことを決意した。

これは私の解釈が多く含まれている。太陽と鉄の徹底解説出来ないことをお詫びする。
今回は、サルトルでいえば、「主体を持つ他者」である。

「太陽と鉄」は三島由紀夫の執筆の中でも当時は評価が低かったと聞く。長い時を経て、

2018年にこれを読んだが、共感することが多かった。執筆している途中で、小説としても表現しにくいものがある。私もその溝に2017年頃に陥った。恐らくどの芸術家でも

訪れるような気がする。時流や、共通認識に惑わされて自己を確立できないことがある。三島はそれを、告白と批評との中間形態、「いわば秘められた批評」と表した。

夜を告白とし、昼を批評とし、その堺に存在する黄昏の領域に焦点を当てた人は彼しか居ないのかもしれない。

実存と本質について、サルトルはレゾンデートル(存在理由)とし、実存は本質に先立つとしたが、こういった小説と批評の合いの子のような行き場がない思惑は、実存という外皮が分からない、言わば彷徨う内部であり、外界(本質)を知らない胎児そのものである。

それが推論、予想、予言に相当する。結果が表れていない段階で、本質をつかんだつもりでも心元無い。小説といっても振り切れる程の資料が揃わない、批評というのにも、数年後先の想定に過ぎなかったりする。けれども、確かに感じるというのが強くなることがある。

そういった時に、気が狂ったゴッホの絵画を思い返すのである。

彼の絵画は売れないという実存が先にあった。後から、弟のテオの妻がゴッホの絵画の売り込みに成功し、現代に至るまで天才と仕立てあげた。時を経てゴッホの絵画の本質を作り上げていったのである。もしくは世の人が本質に気づいていったのである。

星月夜 / The Starry Night
ゴッホの絵画の中で一番好きな絵である。闇が蠢いているのを、これほど如実に描きだした絵画は知らない。

****

 三島が自身を詩人ではないとこの本で断言しているのは、正解だと思う。詩人はゴッホの絵画のように結果を恐れることがなく、告白と批評の狭間に陥ることがない。ヘルマンヘッセは詩人として天才であり、ルバイヤートもキリスト教徒の批判を恐れることなく舞っている。

イランは詩人が有名なのはその流れがあるように思える。恐らく死(他者の弾圧)を恐れないのだろう。日本人の協調性も、西洋の議論好きにも当てはまらない自由なその熱量は、憧れでもあり、社会経験が増えた結果、もう二度と手に入らないと思うのである。誰もがそれを夢見て走り出すが、ペイシズムから、肉体の苦痛を経て、思惑で作り上げた悲劇や幸福が、次第に現実化していく。

私も若い頃は、畏れ知らずに走り出したはずだった。その中でも微分積分のような喜びや絶望は繰り返され、期待と絶望は実質の現実を超えていたのかもしれない。眠れば朝が来て、日常がまた訪れるという平凡の日常を繰り返していたが、私は本当の絶望が訪れたことがあった。

次第に、失望や幻滅が増えていき、現実世界の大きな実存の中の一部になる。

そうなれば、芸術家は終わりである。個性を失うのだから当たり前である。

元々長らく築き上げていた趣味嗜好が相まって個性的に見せているが、身体が悲鳴を上げている。下手でも良いので夜に詩を書いていた頃が嘘のように思えてくる。

それを敗因と捉えたのがそもそも過ちだった。夜にも昼にも見捨てられた思惑は、

必ず何処かへ向かう。それまでが長く柔軟性の無い鉄のようである。私はそう捉えている。

三島は恐らく、この鉄の要素が太陽となり自決に至ったと私は分析した。

私は、長い時を経て、もう一度夜に返ることを決意した。それがジャーナリスト引退と、

時事に関して表に出さなくなったことが証拠である。夜に生きる人間は人間の感受性という目に見えない存在のために生きる。昼に生きる人間は市場や人間の生きる糧となる。

どちらも必要であるので、どちらが正しいという事はない。

しかし、言論や知識が無駄にある場合はどうも現実の問題を言いたくなる。

その「おしゃべり」を夜まで沈黙することが、文学者の原点ではないのだろうかと思う。

何故自殺未遂をしたのか、回心の過程、それらを直接書くことは無い。その代わりに

夜に記憶や記録が乱反射したように、告白しだすのだろう。

虚構世界―フィクションとして、私の代弁者は男となり、別の女となり、私の心を背負って話が進む。

そこには登場人物という嘘は存在する。しかし、本質は嘘ではない。そこに私の体験が息づいている。

存在しない外皮の中に、経験や体験した内部が存在する。

病んでいる間に三島を愛読した。しかし、長い時を経て私は彼と別の道を選んだ。

この著作の中で彼はこう述べている。

「今の私は、二十六歳の私があれほど熱情を持った古典主義などという理念を、もう心の底から信じていない」

私も、若き日の畏れ知らずのような熱情は無いのかもしれない。彼のこの太陽に向かった自決までの告白を私は共感する。

けれども、今回私が執筆しているピアノ調律師の主人公のように、音は死なないと新しく文学を広げるつもりだ。主人公に絶望を与えた中で、私の内部の光が組み込まれている。

それは神と共に。

About perfume (English)

I have tried many perfumes. I have tried many fragrances, some I liked better than Chanel No. 5.The worst of them were the ones that deteriorated too quickly. The worst was the discoloration of the pigment, which made it look unattractive. Perhaps one of the charms of Chanel No. 5 is that it has survived for so long because its golden color continues to shine in its simple bottle even after it has lost its perfumed scent.

A perfume is a symbol of its time. Therefore, when the time has passed, the fragrance becomes old-fashioned. For example, a young woman would not want to wear the perfume that his mother wore, or more specifically, that his grandmother wore. The notes of the perfume change with the fashion of the clothes and the image of the woman. Chanel’s No. 5 remains a survivor in this context.

The perfumer of Chanel No. 5 was Ernest Beaux, a Russian. The perfume that was popular when he was born and grew up was a floral fragrance itself. The aldehydes, essential to Chanel No. 5, are essential to the harmony of the fragrance. Beaux never revealed the formula of the aldehyde in his life, and there is a paper claiming that the prototype of No. 5 was Rallet No. 1, which he sold to the real Rallet company in Imperial Russia. There are many doubts about this article and people’s misremembering and hearsay mislead them.

At the perfumer’s school in Grasse, France, students are given the task of reproducing Chanel No 5. There are more than 80 fragrances included in Chanel No 5. Jasmine, ylang-ylang, vanilla, rose, musk, coumarin, etc. Recreating them on your own is like playing chess with a strong grandmaster. Sensibility, experience and knowledge are the key, but so is light and luck.

Perhaps the famous perfumers who work for Vuitton and Dior have also passed this challenge because they grew up in Grasse from an early age. Jacques Cavallier , the perfumer of Vuitton, in particular, has created several fragrances that surpass those of Chanel. It may be a misnomer to say that he has surpassed Chanel, but he has created fragrances that do not flatter the ordinary people in the declining art world of the 21st century. Even he has not yet reached the beauty of post-degradation. However, I will not lower my opinion of it, because it is perfect among the artists of today, but In my opinion that it will be a difficult perfume to last for centuries. If the intention was to make it exclusively for today, it would be perfect.

There are three types of perfumes: natural, synthetic and concoctions. There are more than 200 natural fragrances, some of which are animal, and the musk in No5 is synthetic according to the Washington Convention.

Those who knew No5 in the 1980s will have noticed a change in the fragrance. And

I’m pretty sure I heard that Chanel No. 5 was reformulated a few years ago after a toxic substance was found in it.

I couldn’t find an article about it. I remembered this because I bought No. 5 again. For a while I used to love the perfumes of Vuitton and Dior, but then I came back to them. Then I felt that the scent was different from before.  Can’t imagine the pretty pink roses from the outside,” Rose de Mai “is the strongest scent of roses, and Chanel No. 5 is like a collection of all the images of roses. However, the recent scent of No. 5 is more powdery and less concentrated. I am sorry if I remember wrongly, but it may be inevitable that the formula changes due to circumstances.

Fragrance is even more fragile than sound. They cannot be stored for long periods of time and, like music, there is no way to record them. It depends on the memory and the record, and even if the record is reproduced, the fragrance can be different depending on the sensibility of the perfumer. It is inevitable that fragrances change with the times. The only thing that can be recorded is the scent, which is our own memory. And it’s not something you can share as much as you might think. Many people may love it, but that doesn’t mean that their friends do.

And since perfumes change their scent depending on the human skin, it’s difficult to reconcile memories, even if your friends love to wear matching ones. Perhaps the scents of the seasons are easier to recall again and again. The charm of perfumes, however, is that they deteriorate and die very easily. In the case of a painter, it would be like the disappearance of an expensive painting, but with perfumes, the price of which, including the perfumer’s labour, is high enough for the average person to afford, we accept the fate of fading away. As Chekhov said, “Simplicity is the sister of genius”, and perfume is a way of simplifying, in a small bottle, what we all follow and what we are attached to.

A whiff of the perfume and I am instantly comfortable in my skin.  It is a moment that will never return. Scent is more solitary than we think, it affects others without us knowing it. The boyfriend who looked back at me and said “I thought that was your perfume” when I arrived, the friend who said that only the scent remained when I left, the hairdresser who said that when he opened his wardrobe and was happy to note that it smelled good, it was your coat. Each of these fragrances makes our memories richer. We are all going to disappear one day, and these little moments are not recorded. We are all going to disappear one day, and these little moments are not recorded.  Some of my friends who have spoken of my scent have already died, and the memory of my memory is slipping away.

It is almost a loss.

I love the fragrance because it does not lie in its transience.

Louis Vuitton

Perfumer: Jacques Cavallier

Attraplave is my favourite. Peony is not available as a perfume, so it is a creation of the perfumer. Probably Attraplave is the closest. It’s not dull, it’s mature, but it shows the lovely impression of Peony.

About perfume

  多くの香水を試してきた。シャネルの5番より好きな香りがあったが、劣化が早かったり欠点が見つかった。一番酷いのは色素の変色で見た目が美しくなくなるものだった。シャネルの5番は香料の香りを失ってもシンプルな瓶に黄金色が輝き続けるのも、もしかしたら長く生き続けた魅力の一つなのかもしれない。

香水は時代を象徴する。よって時代が過ぎ去れば古臭い香りになる。例えば、彼の母親がつけていた香水、もっと言えば御婆ちゃんがつけていた香水、そんなものを若い女性は付けたいとは思わない。流行りの服や女性像と共に香水のノートも変化していく。シャネルの5番はそのような中、生き残っていった。

シャネルの5番の調香師はエルネスト・ボーで、ロシア人だ。彼の生まれ育った頃に流行った香水は花の香りそのものだった。シャネルの5番に欠かせないアルデヒドは、香料の調和に欠かせない。アルデヒドの配合についてボーは生涯明かすことがなかった。5番の原型となったものは、帝政ロシア時代に実在したラレ社に販売したラレNo1だという論文が残っている。この時、まだアルデヒドはそんなに多くは含まれていなかったのと、この論文には疑問点が多く存在し、人々の記憶違いや伝聞に惑わされている。

フランスのグラースにある調香師養成学校では、シャネルの5番の再現を課題として出される。シャネルNo5に含まれる香料は80以上存在する。ジャスミン、イランイラン、バニラ、ローズ、ムスク、クマリン等、それを自力で再現するということは強いグランドマスター(チェス)との対戦のようだ。感性と体感、そして知識が重要であるが、一筋の光、運でもある。

恐らく、ヴィトンやディオールで活躍する有名な調香師も幼少期からグラース育ちなので、この課題をパスしているのだろう。特にヴィトンの調香師、ジャック・キャヴァリエはシャネルを超える香りを何本も出している。超えるといえば語弊があるが、21世紀の衰退していく芸術世界の中で凡庸な人達に媚びない香りを生み出している。そんな彼でも劣化後の美しさまでは辿り着いていない。但し昨今の芸術家の中では完璧なので私は評価を下げないが、何世紀も渡るとしたら難しい香水になるとは思っている。今の時代専用という意向だとするのなら、完璧だろう。

香料の種類は天然香料、合成香料、調合香料の三種類である。天然香料は200種類以上存在し、その中に動物のものもある。No5に含まれるムスクは、ワシントン条約により、

合成となっている。80年代のNo5を知っている人は香りの変化に気づいている。そして

確か、数年前にシャネルの5番に有害物質が見つかって、改良されたと聞いたが、

その記事が見当たらなかった。そのことを思い出したのは、再度、5番を購入したからである。一時期ヴィトンやディオールの香水を愛用していたが、ふとしたきっかけで戻ってきた。すると、香りが以前と変わっているような気がした。見た目からは想像できない可愛らしいピンクのバラ、「Rose de mai 」は薔薇の香りにの中で強香であり、全ての薔薇のイメージをかき集めたようにシャネル5番は演出している。しかし、最近の5番の香りはそれがよりパウダー化し、濃度が薄い気がした。記憶違いなのなら申し訳ないのだが、情勢の影響で配合が変化することは仕方がないのかもしれない。

香りは音以上に儚い。香りは長期保存が効かず音のように収録する術がない。記憶と記録次第で、記録を再現したところで、調香師の感性次第で違う香りにもなる。時代によって香料の変化をやむを得ないこともある。香りだけは記録に残せるのは、自身の記憶になる。そして思ったよりも共有できるものでもない。多くの人が愛用していようが、友人が愛用しているとは限らない。

それに、香水は人肌によって香りを変えるので、例え友人がお揃いを愛用していたとしても、記憶の整合が難しいものである。恐らく、季節の香りのほうが何度も想起しやすいものだと思う。ただ、香水の魅力は劣化-死が非常に軽やかなところである。画家で言えば、一枚の高価な絵が消えてしまうようなものなのに、香水は調香師の労力も含めて高価とは言っても一般人が買える値段で、消えてゆく運命を受け入れている。チェーホフが「簡潔は才能の妹」と言ったように、香水とは人間が通る道、執着するものを、小瓶にて簡潔化させている。

ひと吹きした瞬間に、肌に馴染んでいく。この瞬間は二度とは返ってこない。香りは自分の想定以上に孤独で、他者に影響を知らないうちに与えてくる。私が来たら分かると振り返った恋人や、私が帰ったら香りだけ残るといった死んだ友人、クローゼットを開けたら良い香りがして幸せになったら、クリスさんのコートでしたと言った美容師さん、

それぞれ、香りが私達の記憶を濃くさせてくれている。私達もいつかは消えゆく存在なのに、そしてこの些細な瞬間は記録されないものなのに。既に死者も現れていて、記憶の記銘は零れおちていく。

香りは、その儚さに嘘がなくて好きだ。

ヴィトンの香水

調香師 ジャック・キャヴァリエ 

アトラップレーヴが一番お気に入り。ピオニーは香料として取れないので調香師の創作となる。恐らくアトラップレークがくどさが無く、大人びているがピオニーの可愛らしい印象が表れている。

参考書籍

Love is like a flower – you’ve got to let it grow.

Love is like a flower – you’ve got to let it grow.

John Lennon

愛とは、育てなくてはいけない花のようなもの。

ジョン・レノン

 Demonstrations against discrimination against Asians started in Time Square, USA. I think it’s stupid and pathetic to discriminate. I think people should be able to enjoy themselves in any way they like.

The public forgets that there are more important things than demonstrations and fighting.

 Pictures would be good to display. They silently tell a narrative.

「死の島」福永武彦

「死の島」ベックリン

 死というものは人間の生の果てであり‟Sein zum Tod”ハイデガーで言うところの

死に向かう存在である。死とは何とするのか、何世紀も議論をし続け科学では脳死からと決まった。日本では1999年2月28日に脳死判断の初適応が始まった。日本では臓器提供のために法的脳死判定を行った場合のみに限られる。臨床的に脳死状態とされても、臓器提供を行わない場合は法的には脳死とはならない。人間は意識がある間は、死という現実に向かって夢想する他ならない。メーテルリンクはオカルトの領域を犯しながら「La Mori(死の存続)」で己の臨死体験と死への考察を残した。文学世界は実は「愛」よりも「死」のほうが多く扱われているという。最も多いのは「愛」と「死」の組み合わせだろう。

福永武彦の「死の島」の主人公で作家志望の相場が相見綾子、萌木素子という女性二人に恋をし、選ぶことができなない三角関係が主軸であり、各々が抱いている原爆被害や希死念慮、芸術家への理想論によって人生が狂った内実を伴いながら文学世界として幻想的に生きていく。福永の死の島の世界は現代でいえばトラウマによる解離症状のようだ。素子は広島の原爆被害によって内面時間を生き、自分の存在そのものを現象学のようにエポケー、いや捨象してしまったのだろう。彼女が触るものは常に実感が湧かない。綾子は過去に恋人と駆け落ちするが、捨てられて自殺未遂をしたという過去を背負っている。彼女は愛の終焉に囚われ内面時間を生きる。しかし、この恋人を捨てた男Kという独白の章では、本当に綾子を愛していて離れたという、お互い重なり合えなかった平行現象を如実に書き出しているのである。

この話は主人公相場の線的に進むクロノス(土星)という時間、相場の想起の章、相場によって語られる登場人物、素子の独白、或る男の独白と構成を整理しなければならない。そこには戦後から高度経済成長へと人々が変わっていく事から置いていかれる哀しみが描きだされている。クロノスとは時の神であり、ギリシャ神話ではゼウスの親である。クロノスの重みと、カイロスという機会という意味を持つ二種類の時間が存在する。

生者は多くを想い語るが、死者は魂という神秘性を名残に沈黙する。

この話は客観的時制、内面世界を交差しながら、原爆を「土星人」(物語では同人誌の設定)とした。クロノスはギリシャ語で土星という意味をする。そして意図したのかは分からないが、占星術的な(トランジットの土星は多くの死をもたらす)意味も含ませている。多くを語っていてとぐろを巻いていた物語は、素子と綾子の自殺によって終盤へと向かう。死を目の前にし、生きているものが思念体になってしまう。それでも生きているという幻を作家志望である相場は、原爆が残した日本人の傷、世界が如何に高度経済成長期を迎えようとも、魂が衰弱していく女性二人の代弁者となっていく。生者という幻が実体を持つためには執筆するしかないとでも言うかのように思えた。我々は死に向かって生きている。生きているという瞬間は常に消えて更新される。死はそれまでは幻想であり、夢想だった。しかし、愛する者の死を見送ることは生者を幻にさせるほどの悲しみを与える。死の栄光と影はそれほど強い。生きている者は愛がなければ、そう、作家、福永武彦が執筆した「愛の試み」であるアガペーやエロース、(キリスト教的なギリシャ語解釈)は愛を失えば、世の残酷に打ち消されてしまう。

「それなら己はどうなんだ。己には何があるのだ、と彼は呟く。死者たちからも疎外されて、彼は今無益にそこに立っている。そうなんだろうか、人生というのはこうした徒労に過ぎないのだろうか。すべては空の空なのだろうか。その反省のうちに、遠くの地平線に燃え尽きた雲が少しずつ薄れて行くように、天蓋を覆う濃い虚無が(夢の中でと同じように)
次第に彼の内部へ侵入し、やがて彼の意識はすっぽりと、音もなく、その中へ吞み込まれてしまう」

福永武彦「死の島」

彼(主人公)はその後に、小説によって「死の行為化」を見出し、思念体となった生者が語ることによって実体化させることを見出して終わる。その度に日本が置き去りにされた「死」生かしていくということを決めたということだろう。そんな不幸の後でも人は愛と愛がぶつかり合って生きていくという証として。

一条の光は彼の立っているほの暗い窓の外へ、明らかな光芒を描いて、目覚めのように

差し込んだ。

福永武彦「死の島」

耳を切り落とすということ

精神科の医師には到底分からないことだと思うので、薬だけ渡してくれればいいと思う。私は作品で苦しんでいるわけではない。作品から離れた現実やビジネスに疲れてるんだ。
芸術家は作品を作ってる間はナルシズムでいいんだ。自分のやってることを正しいと思っている。でも作品から離れたときに「現実」に帰る。芸術家は作品から離れればいくらでも客観性を持って良い。たとえ、ゴッホのように耳を切り落としたとしても、絵を描いている間はナルシズムでいいのだ。自分に酔っていいのだ。
例えばゴッホのように。
この作品がやっぱり一番好き。
闇が蠢いているこの絵が。
情念を旋律に。

身を焦がして死ぬぐらいの覚悟を持て。

「星月夜」

過去に書いた「星月夜」について。http://chriskyogetu.blogspot.com/search?q=%E6%98%9F%E6%9C%88%E5%A4%9C

酒井司教、女子パウロ会、瀬戸内寂聴からも楽しんで読んでもらえた
イコノグラフはこちらで買えます。

お勧めの本

お勧めの本
①「フランス・オペラの美学」
オペラは昔は低俗なものだった。リュリとキノーが自分達の音楽劇を「悲劇」と呼んだところから、劇詩と比較され、貧弱さが指摘される。オペラの眠たくなるようなところも改善しそうな一冊。とても面白いので是非。
②「イマージュの肉」
見えるものと見えないもの、中心的主題である「肉」の概念を再考し、世界の現実を知覚と想像の両面で捉える(帯より)存在哲学の基礎にかえりながら、光への愛について、宗教的価値観、各々の精神世界にも問いかけてくる名著。
③「新約聖書」ギデオン協会版。
これはホテル等で無料で置かれていて、自由に持って帰ってもよい。自殺防止用とも言われるこの聖書は、確かに短く区切られていて、傷心のときにホテルの部屋で一人で読んでいると、すんなりと頭に入ってきたので凄いと思った。それで、この一冊はお勧めしたい。非常に読みやすい。
④「シャネルNo5の謎」
以前も紹介した本。(facebookのみ)私は最近、調香師に凝っていて特集を見つければ必ず読むようにしている。存在していない香りを作り出し、トップノート、ミドルノート、ラストノートとストーリーを作るかのように、移り変わる香りを生み出す彼等は天才であり、小説に映画にと駄作が増えるのに対して、香水の新作作品は、俗の世界のようで孤高の美の創作を見せつける。香りにまつわるキリスト教や、文学まで触れ、香水は贅沢品だとは言い切れないと思わせる一冊。
***ただ本を並べるのも芸がないので、イメージに合うのを載せてみました。オペラのところは、ヴェルディの「リゴレット」(原作:ビクトル・ユゴー)の道化の帽子をイメージしました。可愛いでしょう? 

Vincent Willem van Gogh2

庭のマルグリット・ガシェ(1890年頃)

悲しみの女(1882年)
残念ながら、私が行ったゴッホ展ではマルグリット・ガシェはなかった。彼が晩年に恋をしたと言われるマルグリットは、担当医だったポール・ガシェの娘である。この二人は今度の映画(ゴッホ・最期の手紙)で登場するので、楽しみですね。マルグリット役は、シアーシャ・ローナンなので更に楽しみなところです。

私が見れたのは、この娼婦の素描ですね。1882年、ゴッホ29歳の頃のものでゴッホはこの身寄りがない妊婦の面倒を見て関係を持つ。ゴッホはデッサン力が無いように思われますが、素描を見るとそこまで無いわけではありません。パブロ・ピカソの少年時代の素描を天才とするのなら、ゴッホの素描の評価は分かれるところですけれど、昔関係を持った女性の素描は、晩年に描いたマルグリットよりも意識が鮮明だったように思える。マルグリットに関してはピアノを弾いている姿と、この絵画しか知りませんが、特にこの絵画のときにゴッホの女性への愛し方が変化したように思えます。見ているのは女性の身体ではなく、別の視点というのか、プラトニックなものを感じさせます。「庭のマルグリット・ガシェ」は目立つところがないとか、下手と言ってしまえばそれまでなのですが、より印象に近づいたとも言えますし、愛の変化なのか、病の進行によるものなのか、色々想像力を掻き立てますね。いつか本物を見てみたいです。

マルグリットとの関係は実際どうだったのかは分かりませんが、ゴッホは愛していたようです。けれども、マルグリットの父、ポール・ガシェはゴッホに親切でしたが、その愛に関しては受け入れませんでした。彼女と結ばれる見込みが無かったことはゴッホの自殺の原因の一つと言われています。

Vincent Willem van Gogh

星月夜De sterrennacht(1889年)

「この絵は闇が蠢いている」

本物を見たときの、これが私の最初の感想だった。

 精神病棟に入ってから描いた一枚、「星月夜」。これを見ると彼が確かに病んでいて、満月へ向かう三日月ではなく、新月へと欠けていく月を描き、紺青の空に輝く星に、如何に神秘性を強く感じていたのかを感じ取れる。病んでいると一言で言っても個人差があるということを、この現代でもどれぐらいの人が受け取れるだろうか。

*****

他の精神病者との症状の類似点がありながらも、人知れない内面の力、個人差を発揮させた彼の絵画は、言語無き感動を誘うのかもしれない。
現代でも、ゴッホの絵は賞賛されているとしても、ゴッホの人生を真似しようものなら評価はされない。評価されるとしたら、自身の家計を圧迫しながらも、お金をずっと支援し続けた弟、テオのほうだろう。ルネサンス期であったのなら、莫大な資金を持つメディチ家に援助を受けていた画家というのは、ビジネスとして評価もされるが、ゴッホの場合は、今でいう困った若者なのだろう。

ゴッホは牧師を目指していたが挫折をする。その後に伝道者になろうとしたが、画家を志すようになる。伝道者になろうとした名残からなのか、彼は福音書をモチーフとした絵画を残している。
けれども私が一番、ゴッホの中で福音書を感じるとするのなら「星月夜」だ。星は、イエスが生まれたときのベツレヘムの星、もしくはヘロデ王に殺されそうになるところを、逃避するエジプトへの逃避行の夜空を彷彿させる。どちらも、世が混沌としているときに輝いた星々である。

*****

 ゴッホは常にラファエロ前派が築き上げたような仲間を求めていた。それで出会ったのがゴーギャンだったが、彼は謙虚なゴッホと違い、野心家だったと言われている。
性格の不一致のせいなのか、詳細は不明だがゴッホの発狂によって、ゴーギャンは出て行く。
 ゴッホの死後、彼の生きた姿勢は次世代の美術学校の生徒達に影響し、ドイツを中心とする表現主義に向かうことになる。ゴッホの作品は後に研究されるようになり、贋作が増えてしまう。だから本物を見つけるというのが中々難しいらしい。 彼の作品は最も知られている作品でありながらも、彼の自殺の理由と同じように、彼の作品もまた謎は多い。
そんな彼が残した言葉で印象に残った一文を。

「ああ、君、世間は僕のこの誇張をカリカチュアとしか見ないだろう。しかし、僕はそんなことはかまいやしない」

言葉だけでは、彼は割り切っているように思える。しかし、本当にそんな人間が闇を蠢くように描くだろうか、星に輝きを求めるだろうか。 月が新月へと向かうために輝きを残すだろうか。

 今年の11月3日に漸くこの映画が公開されますね。もう公開されているところもあるようですけれども。ゴッホタッチのアニメーション映画なのですけれども、一年前か二年前、ドイツのニュースで見てから音沙汰無しでしたので日本にはもう来ないと思っていましたので嬉しいですね。

ゴッホ 最期の手紙HP

http://top.tsite.jp/lifestyle/lifetrend/i/35942862/

*ゴッホは日本を夢見ていたそうだが、その彼が愛した日本の絵画は、日本人が開国と同時に輸出する焼き物を包んでいた浮世絵だった。この当時は日本にとって浮世絵や風刺画はゴミ同然だったと言われる。後に浮世絵も芸術となったが、そういった価値の変動、人魚姫が人間になるような魔術的な変身、これらは人々が抱く普遍の期待なのかもしれない。

それは蛹から蝶になるという自然摂理によるmetamorphosisでは望みが無いときこそ、渇望する。


今となっては、こういった期待は芸術家だけのものではないのだろう。


*紺青の空に輝く星に、如何に神秘性を強く感じていたのか→彼の残した手紙から参照。

Ranpo Edogawa (2)

 何故 、ハサミかというと

時子の夫は 戦争によって四肢を失い、まるで
芋虫のようになってしまったが、
以前は軍神とも言える活躍ぶりだった。
それで、そのときの活躍の新聞の記事を切り抜く
時に使ったものとして、ハサミをイメージしました。
カッターナイフは日本では1950年代に
登場しているので、芋虫は時代設定的に
それよりも前なのでハサミかもしくは別の切れるものと
なるのかなと思い、私は ハサミにした。

知人はこのデザインを見て、 十字架に見立てたかと思ったと言ったので 中々察しが良いなと思った。 真相は教えませんが。

時子の夫は四肢を失った後、 自分の活躍していた頃の新聞や勲章を眺めていたが、
そのうち飽きてくる。この飽きて夫と妻は情欲だけの時間を過ごしていくのが それも次第に気怠くなっていき、2人はどんどん身体が重たくなっていく・・・・・・

では詳細と 続きはまた今度。

Ranpo Edogawa (1)

江戸川乱歩の芋虫をイメージして作ってみました。
三回ぐらい分けて更新します。

「お前さんの貞節は、あの廃人を三年の年月少しだって
厭(嫌)な顔を見せるではなく、自分の慾をすっかり捨ててしまって、親切に世話をしている。女房として当たり前のことだと云ってしまえばそれまでじゃが、出来ないことだ。わしは、全く感心していますよ。————————
————–今の世の美談だと思っています。

だが、まだまだ先の長い話じゃ。
どうか気を変えないで面倒を見て上げて下さいよ」

江戸川乱歩 「芋虫」より。


————————————。
何も復活祭前後で「芋虫」の朗読の練習しなくてもという感じでしたけど、今年は違った春を過ごせて、色んな事を知れた気分です。次は「芋虫」について書きたいと思います。

****

今回は江戸川乱歩先生を想って作った(笑)デザイン画から先に。何パターンか色々作ったのですけど、とりあえず今回は4枚まで。

江戸川乱歩・谷崎潤一郎は日本語のほうが綺麗なのですよね。
英訳だと状況を説明しているだけに過ぎない表現になってしまってるところがある気がしますが、それは彼等が望んだ日本の美のような気がするのですけどね。
綺麗な分、日本語でデザイン画にするとグロテスク感、強迫観念が増すので、それがかえって耽美というものから離れてしまう気がしたので、(私の場合は)イメージ画像に使う文字は英語にしました。人によっては物足りないと思うかもしれませんが・・・・・・。
使ってる引用箇所は本題に入れば分かるかと思います。

私はRanpo Edogawa にしましたが、
Rampo Edogawaというのもありますね。

Vincent van Goghs Leben in handgemalten Bildern

The best way to know God is to love many things.
It is good to love many things.
by Vincent Willem van Gogh
ゴッホの絵画がアニメーションになって動いている映画なんだそうで、実際に画家が制作に関わってるそうです。85人はオランダ人画家なのかな?そんな感じです。早く見たいです。

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